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Ficha temática

Experimentando con color, luz y sombra, forma y volumen

Los estudiantes podrán aplicar y combinar elementos del lenguaje visual en trabajos de arte y diseño con diferentes propósitos expresivos y creativos.

La creación de las imágenes está relacionada con la manera en la que se utilizan diversos elementos, éstos pueden ser de configuración o de organización. Para este nivel se estudiarán el color, el uso de la luz y la sombra, las formas abstractas y el volumen.

Color

El color es una cualidad que posee todo aquello que podemos ver y que nos ayuda a reconocerlo. Es un fenómeno físico que se produce por la acción de la luz y la propiedad que tienen los cuerpos de absorber o reflejar parte de la misma. Por ejemplo, cuando la luz blanca atraviesa un prisma de cristal, se descompone en los colores del espectro (violeta, azul, verde, amarillo, naranja y rojo) que son los que regularmente utilizamos. Por tal motivo, se dice que la luz es la suma de todos los colores. Los colores de dicho efecto se pueden observar en una burbuja de jabón o en un arcoíris.
 
Llamamos colores puros o primarios, a aquellos que no pueden obtenerse por la mezcla de otros. Gracias a éstos es posible generar múltiples combinaciones. Existen básicamente dos tipos de colores primarios: colores-luz y colores-pigmento. Los colores-luz son aquellos que son intangibles; no pueden ser tocados físicamente. Estos son: el rojo, el verde y el azul. Los colores-pigmento son aquellos en los que se trabaja el color como materia y los podemos tocar físicamente. Estos son: cian, amarillo y magenta.

El color tiene una relación muy estrecha con las sensaciones y emociones debido a que se les asocia con ciertos significados. Por ejemplo, el rojo está ligado con el fuego, el amor o la sangre; el verde con la naturaleza y la vida. Asimismo, cuando se hace referencia a la temperatura del color se habla de la sensación que éste provoca al cuerpo. Existen los colores cálidos que engloban al rojo, el amarillo y el naranja y los colores fríos que son el azul y el verde. Sin embargo, las sensaciones y emociones que los colores provocan a quien observa, así como el significado que se le otorga, dependen del entorno cultural del creador y del espectador.

En el mundo cromático se pueden diferenciar tres dimensiones básicas del color que permiten analizar cualquier composición: el tono, el valor y la saturación. El tono es el nombre específico que se da a cada color, que ordenados en la secuencia de rojo, naranjo, amarillo, verde, azul y violeta conforman  el círculo cromático. 

El valor es la claridad del color, su grado de proximidad al color blanco. Al modificar el valor, podemos  obtener diferente gama de colores, es decir,  diferentes matices de un mismo color.  Y la saturación es el grado de pureza que tiene un color. Los colores más saturados son los que más se aproximan a los colores básicos o primarios

La composición por medio del color produce efectos muy variados. Los colores complementarios  son parejas de colores compuestas por los colores opuestos en el círculo cromático. Son el rojo con el verde, el azul con el naranja y el amarillo con el violeta. Si disponemos juntos en una composición colores complementarios, el resultado es de un gran contraste, lo que le da un carácter  llamativo y reclama la atención del observador.

Los colores armónicos son aquellos que se encuentran en proximidad inmediata en el círculo cromático. Por ejemplo, el naranja y el rojo, o el azul y el verde. Cuando utilizamos los colores armónicos en una composición, el paso de unos a otros es gradual y sin grandes contrastes, por lo que el resultado es de una agradable tranquilidad.

Luz y sombra

La luz es una forma de energía que actúa sobre nuestros ojos y nos hace ver los objetos. En el estudio de las artes visuales interesan los efectos que produce la luz sobre los objetos. Gracias a la percepción de superficies iluminadas que contrastan con otras superficies en sombra, reconocemos el volumen de las cosas  que nos rodean. De forma semejante, cuando dibujamos en una superficie plana zonas de mayor claridad junto a otras más oscuras, reproducimos los efectos de la luz y representamos la corporeidad de los objetos.

Los efectos de la luz sobre los objetos  son muy diferentes si se trata de la luz solar o de la luz artificial. En el caso de la luz natural o solar,  la radiación se configura  por rayos paralelos entre sí.  En el caso de la luz artificial, se configura por rayos divergentes. Los efectos producidos por la luz también  dependen  de la posición  desde donde están iluminados los objetos. Con la luz frontal centrada conseguimos un efecto de relieve poco notorio. La luz lateral realza todos los matices  tridimensionales de los volúmenes. La luz enfocada en la parte posterior del objeto, produce un efecto de contraluz en el que  se subraya la silueta de la figura.

Llamamos sombra a la parte de un objeto iluminado que no recibe directamente rayos de luz. Con respecto a un cuerpo iluminado se pueden diferenciar tres clases de sombras:
• La sombra propia, que es la que corresponde a las zonas no iluminadas del objeto.
• La sombra proyectada, que es la imagen oscura que un cuerpo opaco iluminado proyecta sobre otra superficie u objeto diferente.
• La sombra autoproyectada, que es la que alguna parte del objeto arroja sobre otra parte del mismo objeto.

En la realidad, las zonas iluminadas y las zonas en sombras no son completamente uniformes. Dentro de las partes iluminadas, como dentro  de las que permanecen en sombra, existen grados de luz y oscuridad. Esta dualidad entre luz y sombra, así como los infinitos matices que entre ellas existen, es lo que se conoce como claroscuro. La correcta utilización de este recurso gráfico contribuye a dotar de mayor expresividad, fuerza plástica y naturalismo a la representación de figuras en una composición artística. El pintor español José de Rivera es un buen representante del uso del claroscuro.

Forma

La creación de formas visuales está supeditada al grado de realismo (entendido como la forma de presentar las cosas tal como son) o abstracción (simplificación de la forma y/o ausencia de representación de cosas) que se emplee para representarlas.

Formas abiertas son aquellas cuyos contornos son indefinidos y se tienden a integrar al fondo. Formas cerradas son aquellas cuyos contornos están claramente definidos y delimitados.

En el arte, las formas figurativas son aquellas que representan aspectos de la realidad de manera fiel, que representan la realidad concreta como personas, animales y objetos, aunque en ocasiones sólo toman algunos rasgos estructurales de las formas. Formas no figurativas son aquellas formas que no representan la realidad, también se le denomina abstractas. La abstracción es simplificación, es eliminar algo. Existen diversos modos de representación abstracta. Aquellas en las que se utilizan formas geométricas y otras en las que se exaltan las formas orgánicas, a través del color y la línea por encima de la figuración. Se insiste en que la apariencia de las cosas no siempre reproduce el verdadero contenido de ellas.

Volumen

El volumen es el espacio real ocupado por un cuerpo. Se trata pues de una realidad en tres dimensiones, largo, ancho y alto.

Las esculturas son representaciones tridimensionales. Su volumen permite apreciarlas desde distintos puntos a diferencia de las representaciones bidimensionales que sólo las podemos apreciar de frente. La escultura, de acuerdo con lo que representa, puede dividirse en estatuaria y ornamental. La escultura estatuaria es aquella que representa la forma humana y la ornamental se ocupa de todos aquellos temas que no están relacionados con la figura humana.

Ambas representaciones pueden ser de dos tipos: de bulto redondo y de relieve. La escultura en bulto redondo es la que puede contemplarse desde cualquier punto de vista, debido a que sólo está adherida a una base. La escultura de relieve, es aquella que se apoya en un muro u otra superficie, es decir está “adosada” y sólo puede contemplarse por el frente. Otras técnicas son volumen lleno,  técnica en la que el volumen no presenta espacios y es compacto, y el volumen vacío, técnica que aparece con los movimientos de vanguardia del siglo XX que consiste en introducir espacios en la escultura. Un buen representante de esta técnica es el escultor contemporáneo Henry Moore. Una de las características más significativas de su obra es el valor que da al hueco que se hace expresivo y forma parte esencial de la misma. La masa se destaca por contraste con los huecos. Opone con maestría los volúmenes cóncavos y convexos. El espacio forma parte de la obra.

Todo lo anterior conduce a reconocer que el color, la luz y sombra, las formas y el volumen sirven como elementos no solo de configuración, sino también expresivos, que permiten a los alumnos tener experiencias enriquecedoras. Si experimentan uno a uno, podrán reconocer todas las posibilidades que les brinda para expresar sus ideas, sentimientos, y emociones.

Bibliografía utilizada
1. Programa de Estudio Artes Plásticas, Ministerio de Educación, Chile.
2. Morales, O. (1970). El niño y su expresión plástica.
3. Crespi y Ferrerio, (1995). Léxico técnico de las Artes Plásticas.
4. Marín, R. (2003). Didáctica de la Educación Artística. Madrid: Prentice Hall.

PROGRAMA DE ESTUDIO ARTES VISUALES 5° BÁSICO

Páginas 59 y 60: Actividades 1 y 2

Luz y sombra
1. El docente guía una conversación con el fin de indagar en los conocimientos previos de los estudiantes con respecto al uso de la luz y la sombra en la pintura por medio de preguntas como:
• ¿cómo se logran las luces y las sombras en el dibujo y la pintura?
• ¿de qué depende la luz y la sombra en la realidad y en la fotografía
• En qué época hay más preocupación por el uso de luces y sombra y por qué? (presente- pasado)
A continuación, el docente guía la observación de pinturas de bodegones de pintores chilenos de diferentes épocas indicando algunos elementos contextuales, características visuales (materiales, colores, formas, texturas, otros) y enfatizando el tema de luces y sombras.

2. Los estudiantes eligen objetos como frutas, botellas, cajas y otros, arman un modelo de naturaleza muerta y la dibujan con lápiz grafito o carboncillo.
Guiados por el profesor, aplican luces y sombras en sus trabajos. Los exponen y explican cómo lograron dar la sensación de volumen a los objetos usando las sombras.

PROGRAMA DE ESTUDIO ARTES VISUALES 6° BÁSICO

Página 43: Actividades 4, 5 y 6

Color: Contrastes
4. El docente guía una conversación con el fin de indagar en los conocimientos previos de los estudiantes sobre los contrastes. Para esto, realiza preguntas como:
• ¿cuáles son las combinaciones de colores más comunes que usamos para vestirnos?, ¿por qué?
• ¿qué combinaciones de colores nos parecen más alegres o más tristes?, ¿por qué?
Los estudiantes observan en revistas y objetos en la sala diferentes tipos de contrastes y comentan cuales resultan más atractivos o aburridos, cuáles se usan para pintar un mueble, diseñar una caja, otros.
 
5. Los estudiantes realizan un muestrario de parejas de colores con diferentes contrastes por medio de programas de dibujo. Luego, observan las parejas y clasifican los colores ocupando categorías como más fuertes, más apagadas o más armónicas, entre otros.

6. Los estudiantes observan obras abstractas de pintores como Joan Miró, Paul Klee, Wassily Kandinsky, Piet Mondrian, Francisca Sutil u otros. Guiados por el docente, comentan las obras con preguntas, como:
• ¿qué tipos de contrastes observamos en sus obras y con cuáles colores lo logran?
• Si yo tuviera que hacer una pintura triste, alegre o que diera miedo, ¿qué tipo de contrastes y colores usaría?

Nota: en los programas de 5 ° y 6° básico  encontrarás otras actividades pertinentes e interesantes.

Los estudiantes de estos niveles responden de manera distinta al arte que en los niveles anteriores. Como espectadores suelen ser demandantes, pues rápidamente pierden la atención hacia algo que no les gusta o interesa; sin embargo, en esta etapa emergen nuevos criterios de valoración que sirven de base a la experiencia estética, y que incluso pueden generar estados de contemplación, pues a medida que crecen su razonamiento es más complejo y abarcador. Tales criterios tienen que ver con el estilo y con la expresión de la obra, avanzando así hacia un proceso de interpretación global de la obra artística. En este sentido, el aprendizaje que sobre el arte construyen los alumnos en clase, depende en buena medida de la mediación del docente. Si éste logra motivarlos para que encuentren significados personales en las manifestaciones artísticas, se estarán dando las condiciones para que puedan experimentar estéticamente las obras. 

En relación con la creación de sus propias obras, es importante recalcar que al hablar sobre sus propios trabajos escolares y los de sus pares también se fortalecen sus habilidades comunicativas, interpretativas y principalmente, el autoconocimiento. La reflexión sobre los alcances y dificultades que experimentaron al participar en una experiencia artística, les plantea a los estudiantes el reto de traducir en palabras las emociones y sensaciones que se producen de forma inmediata en su mente. Asimismo, les ofrece la oportunidad de reafirmar su autoestima al compartir con otros sus intenciones e intereses.

Respecto de la tarea de acercar a los estudiantes en la apreciación artística, es importante que el profesor guíe  la construcción de sentidos y la interpretación de los significados culturales del arte. Aquí se trata de colocar a la obra artística en su contexto, en el lugar, época y entorno social en que fue producida

Las técnicas y materiales usados en los trabajos artísticos permiten  transformar o plasmar en forma tangible diferentes ideas que antes sólo existían en la imaginación. La posibilidad que ofrecen para expresarse y experimentar son múltiples gracias a sus características y a la posibilidad de combinarlas. Hoy en día ya no sólo se usan los materiales convencionales como pigmento, óleo, acuarela, etcétera. Actualmente algunos productos como el aserrín, la tierra, las ramas, la basura y hasta los juguetes son utilizados como materiales para crear imágenes. Se pueden utilizar materiales escolares  de bajo costo para experimentar diversas técnicas plásticas.

Uno de los temas centrales del lenguaje artístico de refiere al color. Enseñarles a los alumnos toda la gama de posibilidades que surgen a partir de la mezcla de los colores y las diferentes sensaciones que cada uno de esos produce, es más significativo que sólo aprender de memoria los nombres y sus clasificaciones. Lo anterior significa que los alumnos deben explorar y experimentar diversas posibilidades que el color les brinda como elemento expresivo. Promueva que utilicen diferentes colores en sus representaciones, ya que la gama de oportunidades es infinita; todo ello dependerá de la creatividad de cada uno. Si la escuela cuenta con espacios en los que existan computadores  puede trabajar algún software como el Paint para que los alumnos experimenten la mezcla de colores-luz.

Para una mejor comprensión de las formas no figurativas o abstractas, es importante que los estudiantes comprendan que al observarlas, no tienen que buscar un tema para poder apreciarlas y entenderlas, sino utilizar sus sentidos para conectarse con las cualidades expresivas de los elementos que la conforman.

A través de formas figurativas y abstractas, se puede impulsar a los alumnos a que realicen producciones bidimensionales y tridimensionales. Sugiera un mismo tema para que lo representen de modo figurativo y abstracto de tal modo que signifique un reto para ellos a la hora de realizarlo. La lectura de imágenes en este momento puede ser muy rica, ya que los estudiantes pueden recurrir a una apreciación que no sólo sea a nivel descriptivo sino ya elaborando hipótesis acerca de los motivos que están representados.

Existen diversos procesos de creación de la escultura. Entre ellos tenemos el tallado, el modelado y la construcción, los cuales son adecuados para enseñarse en estos niveles  ya que mediante la utilización de materiales cotidianos se pueden experimentar dichos procesos.

La técnica del tallado consiste en eliminar el material excedente a fin de conseguir la forma deseada. Por ejemplo, cuando se crea una escultura en madera. En la técnica del modelado se crean formas manipulando materiales maleables que permiten una relación directa entre el creador. Por ejemplo, cuando se crea una figura en barro. El proceso de construcción implica unir la escultura con varios materiales para crear distintas formas. Por ejemplo, cuando se hace un móvil con materiales desechables.

En relación con el trabajo en volumen, algunos materiales recomendados para experimentar los procesos de escultura son:
1. Para el tallado, se puede trabajar con barras de jabón o con verduras. Es importante evitar que los alumnos utilicen instrumentos muy filosos debido a que pueden lastimarse.
2. Para el modelado se puede experimentar con plasticina, greda, masa de harina y agua, alambre delgado y suave para evitar que se lastimen.
3. En el caso de la construcción se puede utilizar papel, cajas, conchas, cuerdas, corcho, madera o cualquier material de desecho.

En cada uno de los procesos, el estudiante explora las cualidades de los materiales y determina cuáles son sus posibilidades y limitaciones expresivas y así, con la guía del profesor, él pueda elegir el mejor camino para crear su forma.

Es recomendable que la creación de esculturas, parta del uso de formas simples (como las geométricas) e ir aumentando el grado de complejidad paulatinamente. Otro aspecto recomendable es que los estudiantes puedan apreciar esculturas reales dentro de su ciudad o comuna. Para ello sugiera que localicen esculturas en  plazas, iglesias, o  museos cercanos. Sugiera hagan un registro de la imagen representada, de los materiales y si es posible de la técnica que se utilizó.

Bibliografía sugerida
Programa de Estudio Artes Visuales, Ministerio de Educación, Chile.
• Bibliografía para el docente
• Bibliografía para el estudiante
• Sitios web recomendados
• Listado con todos los museos, galerías, fundaciones de arte,  institutos y corporaciones culturales del país (ANEXO 4)

Información

Técnica

Fecha de Modificación22/12/2013
Descripción BreveLos estudiantes podrán aplicar y combinar elementos del lenguaje visual en trabajos de arte y diseño con diferentes propósitos expresivos y creativos.
Temas relacionadosElementos configurativos de los lenguajes visuales
http://educacionplasticayvisual.wikispaces.com/Elementos+configurativos+de+los+lenguajes+visuales
Recursos recomendados
  1. El color
  2. Colores primarios
  3. El impresionismo
  4. La línea
  5. La forma
IdiomaEspañol (ES)
Autoreducarchile
Fuenteeducarchile
Clasificación Curricular
NivelAsignaturaEje y habilidades
5° básicoArtes VisualesExpresar y Crear Visualmente
6° básicoArtes VisualesExpresar y Crear Visualmente